información:

La vida es sueño disecciona, con una estructura compleja, muy bien elaborada y de profunda carga simbólica, la capacidad del ser humano para ejercer su libertad frente al destino. Obra filosófica bien sustentada en una trama escénica donde los juegos de poder se cruzan con el deseo carnal y donde la realidad está siempre contagiada por lo onírico.

La vida es sueño  es verso, es ritmo, es expresión existencial, denuncia frente al poder cruel, reflexión vital. Todo ello podemos encontrarlo aquí y ahora en expresiones estéticas y musicales de cultura urbana. La Polonia que aparece en el la obra es un mundo opresivo, cerrado, claustrofóbico al que vemos un paralelismo en determinados ámbitos contemporáneos urbanos, con sus propias leyes internas, donde la violencia se expresa en reglas de poder estrictas. Los ocho intérpretes, siete actores y un músico que están permanentemente en escena, van a crear ese mundo casi penitenciario, donde la pertenencia o no al grupo marca la posibilidad misma de la existencia.

(EN ROSA INFORMACIÓN FACILITADA POR LA COMPAÑÍA / TEATRO).

comentario:

La compañía Teatro del Temple, nace en 1994 de la mano de Carlos Martín, Alfonso Plou y María López Insausti, desde sus orígenes hasta la actualidad, ha producido más de 39 espectáculos, entre los que podemos destacar: El Criticón, Arte de las putas, Luces de bohemia, El alma en vilo, Nathalie X, Dakota, etc., ahora regresa a Madrid con LA VIDA ES SUEÑO, obra estrenada por primera vez el 10 de Noviembre 2016 en el Teatro Principal de Zaragoza.

LA VIDA ES SUEÑO de Pedro Calderón de la Barca es una de las obras cumbre del teatro del Siglo de Oro español, concebida para ser representada en teatros cortesanos y corrales, tiene la flexibilidad y el trasfondo necesario para ser representada en multitud de espacio, versiones, y diferentes medios (teatro, televisión, comic, etc.). Teatro del Temple es consciente de ello, y sobre todo de la importancia de mantener en primer plano el dilema que plantea la obra entre predestinación y libre albedrío, así como todas las acciones que se mueven a su alrededor (el papel de la mujer en la sociedad, el abuso de poder, el restablecimiento del honor, el sectarismo, la relación entre poder y misticismo, el despotismo, el engaño, la muerte, etc.) y para ello, nos ofrece un montaje de mezcla lo clásico y lo contemporáneo, el clasicismo del verso y la modernización en la estética, manteniendo intacta la base sobre la que se sustenta la obra (el destino y sus consecuencias), mediante una sucesión de análisis existenciales con una buena carga filosófica y poética.

Para ello, Teatro del Temple bajo la dirección de Carlos Martín, se mantiene prácticamente fiel a la obra de Calderón (tanto la esencia como el verso se mantienen, asesor del verso: José Luis Esteban), el texto se respeta aunque se aligera y dota de mayor fluidez en momentos muy concretos, reduciendo algunos pasajes, actualizando y dinamizando otros, consiguiendo que sea asequible y entendible para todos los públicos.

Este refrescamiento del texto se realiza gracias a la adaptación de Alfonso Plou, que ha salido encontrar el punto justo y necesario para agilizar los diálogos y darles más ritmo, pero sin perder de vista, en ningún momento, la lucha emocional de los personajes, algo que difícil, ya que existe un factor de innovación importante en la puesta en escena, que podría distraer e incluso colapsar en algunos momentos al propio texto, pero Alfonso Plou consigue que el texto mantenga su fuerza y su valor, y que más allá de la vistosidad existente en escena, no se pierda en ningún momento la verdadera esencia de la propuesta.

Respecto a la puesta en escena, partimos de la escenografía creada por Tomás Ruata, conceptualmente compleja, técnicamente laboriosa, pero basada en la sencillez de elementos, pocos, bien elegidos, objetos multifuncionales que juegan con el simbolismo y construyen diferentes espacios con unos simples cambios (cortinajes, pasarelas, un trono, etc.). En este espacio escénico se desarrolla toda la acción tanto la situada en palacio como en las mazmorras, y en los lugares de tránsito, el paso de uno a otro, se lleva a cabo de forma original mediante el uso de unos grandes cortinajes con aros que cambian de altura para convertirse en los muros de palacio o en los grilletes de los presos.

El vestuario de Ana Sanagustín y la caracterización de Langas Estilistas, también juega con los contrastes, el tono oriental de las ricas vestimentas y el maquillaje del elenco, remarca la idea de lo esotérico en la corte del rey Basilio, y se enfrenta al ambiente más sombrío de las mazmorras y a los personajes más contemporáneos que viste con cazadoras con capucha (y otros elementos como máscaras, etc.).

Pero además, en este espacio escénico se mantiene la presencia constante de siete actores y actrices que entran, salen, suben, bajan, corren, saltan, etc., el movimiento en escenaes constante, este buscado dinamismo requiere la constante atención del espectador lo que ayuda a no perder el hilo de la historia. Además, la presencia también constante, en un extremo del espacio escénico, de Gonzalo Alonso, músico, instrumentista y compositor, responsable de la composición musical de la propuesta, que toca en directo el duduk (instrumento de viento de Armenia), además de otros instrumentos y se atreve incluso con el serrucho, es capaz de crear las atmósferas adecuadas para cada momento como un abrazo invisible que envuelve y compacta las escenas (aunque puntualmente se solapan voces y música dificultando la comprensión). Gonzalo Alonso, demuestra su control, tanto de los instrumentos como de los tiempos en escena, compositor de amplia y reconocida experiencia,  compuso la música del ballet ‘Carmen’, que se estrenó en marzo de 2018, en el teatro de Halberstadt (Alemania), por la compañía The Ballet ensemble of the Nordharzer Städtebundtheater con música de Bizet y música original compuesta por Gonzalo Alonso para la ocasión.

La iluminación de Tatoño Perales, es todo un despliegue de color y construcción de espacios con la luz, convirtiéndose en algunos momentos en un protagonista más de la acción, un complemento muy estudiado y efectivo que apoya a un elenco formado por José Luis Esteban, Yesúf Bazaán, Félix Martín, Minerva Arbués, Francisco Fraguas, Encarni Corrales y Alfonso Palomares.

El elenco se muestra compacto y seguro ante el espectador, siendo la construcción de los personajes masculinos más compacta y rica que la de los femeninos, en especial Segismundo interpretado por José Luis Esteban, ya que tanto el personaje como la interpretación van creciendo en tono, dramatismo y credibilidad a medida que se desarrolla la propuesta. Este personaje es una perita en dulce para cualquier actor, evoluciona, crece y posee un abanico de matices a los que sacar provecho, y José Luis Esteban da buena cuenta de ello.

Rosaura (Minerva Arbués), Estrella (Encarni Corrales) y Astolfo (Francisco Fraguas) son personajes importantes y necesarios, y Carlos Martín con su dirección opta por darles sus momentos de lucimiento y protagonismo, pero manteniendo en todo momento la acreditación argumental de sirvir de soporte a la figura de Segismundo y al fondo de la propuesta.

Basilio (Yesúf Bazaán = Carlos Martín) y Clotaldo (Félix Martín) realizan un buen trabajo interpretativo, sus personajes eficazmente contenidos, son los que justifican las acciones de la propuesta (especialmente Basilio) por lo que se mueven pasando del primer al segundo plano y viceversa, para dar a Segismundo su posición de protagonismo, resaltando el cambio de roles que se produce entre los personajes. Así, el momento en el que Basilio se arrodilla ante Segismundo aun pasando muy rápido en la propuesta, tiene una gran importancia por su significado.

La unión de los personajes anteriores, construyen las patas de la mesa que sustenta la propuesta y sobre ella, baila y ríe Clarín (Alfonso Palomares) personaje inicialmente accesorio que va evolucionando y tomando un cariz cómico que aporta mucho juego y frescura a la propuesta. Alfonso Palomares aprovecha con soltura estas caracterísiticas y las hace suyas, ganándose la simpatía del espectador/a.

Una propuesta de construcción arriesgada, pero efectiva que juega constantemente con el contraste, dando valor a lo clásico pero modernizando las formas, permitiendo al espectador comprender la contemporaneidad del mensaje de la propuesta a través de un texto más ágil y una puesta en escena altamente visual y con toques de modernidad. Es posible, que aquell@s que gustan de mantener el ‘purismo’ en las obras del Siglo de Oro español, les cueste entrar en el código de la propuesta, sin embargo, hay espacio para todo, para propuestas  purista y para aquellas que quieren acercar el teatro clásico a todo tipo de públicos sin perder la esencia del original, y más cuando existe una apuesta por dar un peso específico al propio texto, al verso y al conflicto entre, la predestinación y el libre albedrío, la vida y la muerte, la realidad y el sueño, las luces y las sombras, el abuso de poder, etc.  Al fin y al cabo, ¿Qué es la vida? Un frenesí. ¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño: que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son.

 

ficha:

Dirección Carlos Martín
Dramaturgia Alfonso Plou
Producción María López Insausti
Composición Músical Gonzalo Alonso
Asesor del verso José Luis Esteban
Escenografía Tomás Ruata
Iluminación Tatoño Perales
Vestuario Ana Sanagustín
Caracterización Langas Estilistas
Fotografía Marcos Cebrián
Diseño Gráfico Línea Diseño
Equipo de producción Pilar Mayor y Alba Moliner
Técnicos en Gira Antonio Fdez. Garza y Tatoño Perales

REPARTO
Segismundo José Luis Esteban
Basilio Yesúf Bazaán
Clotaldo Félix Martín
Rosaura Minerva Arbués
Astolfo Francisco Fraguas
Estrella Encarni Corrales
Clarín Alfonso Palomares
Músico Gonzalo Alonso