información:

(EN ROJO INFORMACIÓN FACILITADA POR LA COMPAÑÍA / TEATRO):

Anna soñaba con ganar el Festival de San Remo, pero no fue así. Quería conquistar el mundo y se quedó en su pueblo. Se casó con un hombre feo, aunque muy bueno, y tuvieron cuatro hijas. Vivieron en la casa azul. Ahora su marido ha desenterrado con el acto involuntario pero inevitable de su muerte, a los noventa y dos años, la lucha por una herencia que no vale nada, pero quieren todas: aquella casa que está al lado de una fábrica de gaseosas. Como Anna nunca dejó de soñar, encuentra en este momento la ocasión perfecta para librarse de todo lo que le sobra.

Mi película italiana es la historia de siete mujeres de una misma familia que habla de la única herencia que reciben: la gestión de la soledad. Suso Cecchi D´Amico nunca escribió un papel protagonista para Anna. Por eso lo he hecho yo, su nieta. Ésta es su película italiana. Rocio Bello. Una producción del Teatro Español.

comentario:

MI PELÍCULA ITALIANA, propuesta con dramaturgia de Rocio Bello y dirección de Salva Bolta, se ha presentado dentro del Ciclo 3D de dramaturgia española del Teatro Español (siendo uno de los tres textos que forman parte del ciclo durante esta temporada junto a ‘Los otros Gondra’, escrita por Borja Ortíz de Gondra y ‘Mi niña, niña mía’, obra escrita por Amaranta Osorio e Itziar Pascual). MI PELÍCULA ITALIANA es la historiade siete mujeres de vidas anónimas, personajes que sueñan con salir del olvido y la monotonía, aunque asuman que su destino es simplemente sobrevivir sin esperanza de trascender, siendo su mayor acto de rebeldía el poseer nombres que evocan a famosas actrices italianas (Anna Magnani, Sofía Loren, Lucía Bosé, Gina Lollobrigida, Claudia Cardinale, etc.). Estamos ante mujeres que hicieron de la renuncia y resignación una forma de vida, lo que conlleva un evidente grado de amargura en sus vidas. Pero, a pesar del aparente drama sobre el que se mueve la propuesta, el paso a través de la vida de las protagonistas se realiza de forma inteligente, combinando un amplio abanico de matices emocionales con una buena carga de ironía, surrealismo y humor.

Bajo un entorno familiar y costumbrista, se desarrolla una historia con un tratamiento, en principio, inusual tanto por su construcción como en su desarrollo. La historia se desarrolla escenificando escenas que son narradas en primera persona por una de las nietas ‘Yo’ (Camila Viyuela) de la mujer sobre la que se articula la historia, Anna ‘la abuela’ (Teresa Lozano), madre de Sofía (Elena González), Lucia (Mona Martínez), Gina (Nerea Moreno) y Claudia (Inma Nieto), y abuela igualmente de María (Vicky Luengo). Existen, además, algunos protagonistas más en esta historia que aparecerán tanto por alusiones como por estar de ‘cuerpo presente’, e incluso, se cuenta con la presencia de un gallo que recrea una de las escenas más jocosas y surrealistas de la propuesta al hablar y explicar cómo afectaron ‘ciertos sucesos’ a su persona y al resto de habitantes del gallinero, es decir, a las gallinas. Este peculiar gallo está interpretado por Rulo Pardo que aparece en escena mediante una grabación que se reproduce en una pantalla de plasma...

La abuela, sus cuatro hijas y sus dos nietas coexisten en un microcosmos (referenciado en ‘la casa azul’) que tiende a convertirse en un universo oscilante (eso sí, guardando las distancias pero manteniendo la esencia de la hipótesis propuesta por Richard Tolman por la que el universo sufre una serie infinita de oscilaciones, cada una de ellas iniciándose con un Big Bang y terminando con un Big Crunch), que en este caso, comienza su proceso de expansión a partir de la muerte del abuelo y de los conflictos que causa el reparto de su herencia. Conflictos que dejan al descubierto la complejidad de las relaciones familiares y de las relaciones humanas en general, ofreciendo un amplio viraje desde la afabilidad inicial (en la escena inicial del velatorio, sustentada en evitar el silencio y lo que ello conlleva, creando momentos de cierto surrealismo), hacia una implosión emocional donde los intereses propios y ajenos, la avaricia, la envidia, la amargura, las rencillas, la soledad, etc. se dejan al descubierto mientras nos movemos a través de una línea argumental que se salta el eje temporal continuo para ofrecernos constantes cambios que juegan con los tiempos y las situaciones (efecto que, aparentemente, se utiliza para enfatizar el hecho de que, cuando todos los días son iguales, con las mismas angustias, las mismas soledades, la misma manipulación emocional, etc., el paso del tiempo no aportan una diferencia sustancial).

Así pues, todo comienza con una narración que nos sitúa en el velatorio del abuelo, las mujeres presentes empiezan a charlar, hablar por no callar o más bien para no tener que sufrir la incómoda presión del silencio, lo que genera conversaciones absurdas. De esta forma, el surrealismo de la escena se mezcla con la tristeza de la vida de las protagonistas mientras la propuesta evoluciona suavemente hacia una demoledora crueldad con palabras que se clavan como cuchillos combinadas con el humor de situaciones irónicas y cómicas, cierto grado de ternura, etc., mostrando así, una dualidad constante en la propuesta, un juego de contrastes que comienza con el texto frente a la puesta en escena (corrección literaria frente a surrealismo), la definición de cada uno de los personajes (crueldad – ternura) y la propia construcción de las escenas. Siendo en el momento en que narración y acción se mezclan, cuando como espectadores, somos conscientes de la acertada combinación entre humor, surrealismo, sentimiento y la visualización de esas maletas emocionales que todos llevamos sobre nuestros hombros y que pasan de generación en generación como si formaran parte de nuestro propio ADN.

El texto de Rocío Bello llama la atención en su forma de profundizar en la dualidad realidad – sueño, ternura – amargura, etc., y sobre todo, en su forma de construir este particular universo femenino, partiendo de mujeres que han abandonado sus aspiraciones para cumplir con lo que se esperaba de ellas, con las ‘obligaciones’ impuestas por la sociedad que les ha tocado vivir, el cuidado de la casa, hijos, etc., refugiándose para huir de sus vidas de insatisfacción en la acción de soñar, creando para ello su propia película, italiana…

Es curiosa la sutileza y la forma de visualizar el papel de lo ‘masculino’ en la propuesta, comenzando con la presencia del abuelo muerto en escena, aparentemente como imagen, por una parte, de la figura que trunca los sueños de libertad de Anna y por otra, como elemento cohesionador de la unidad familiar que, al desaparecer, produce su desmembramiento, proceso que ya existía pero que se hace evidente o se rompe totalmente al desaparecer ese invisible lazo de unión que es sustituido por la lucha por la herencia. La imagen masculina, en la propuesta, existe pero está siempre ausente (abuelo, maridos, hijos, etc.) o en pantalla (gallo), en una forma muy efectiva de representar, en este caso, un universo femenino que existe en referencia al otro, pero que individualmente se encuentra en soledad y casi invisibilizado, encontrando un espacio en el colectivo familiar.

Así pues, teniendo en cuenta todo lo anteriormente mencionado, se evidencia que la labor de dirección llevada a cabo por Salva Bolta es destacable (junto a Juanma Romero Gárriz como ayudante de dirección), sobre todo, por su forma de mantener el equilibrio entre tensión – humor en cada escena, sin que se muevan peligrosamente hacia lo grotesco, además de marcar con eficiencia, cada una de las características y matices de unos personajes que dicen mucho, pero también transmiten mucho con su gestualidad y sus formas. La puesta en escena se completa con la austera pero eficiente escenografía de Paco Azorín (con Fer Muratori como ayudante de escenografía), el diseño de iluminación de Luis Perdiguero que es utilizado eficazmente para enfatizar estados emocionales, etc., la música y el espacio sonoro de Luis Miguel Cobo y el diseño de vestuario de Guadalupe Valero.

El elenco está formado por Elena González, Teresa Lozano, Vicky Luengo, Mona Martínez, Nerea Moreno, Inma Nieto y Camila Viyuela, todas realizan un excelente trabajo interpretativo basado en la naturalidad y en el perfecto manejo de unas emociones que están más cerca de la amargura que de la alegría, aunque algunas escenas tengan un toque de humor negro, irónico o surrealista bastante marcado. Desde Camila Viyuela la narradora, hasta la otra díscola nieta de Anna (Teresa Lozano) interpretada por Vicky Luengo, pasando por las hijas de Anna: Elena González, Mona Martínez, Nerea Moreno, Inma Nieto y la propia Anna, es decir, Teresa Lozano, todas disponen de su momento de lucimiento interpretativo personal y cada una de ellas sabe sacar partido a las características propias de unos personajes que hacen lo que pueden para gestionar la soledad, siendo evidente la importancia del trabajo colectivo en esta propuesta.

Una propuesta original e interesante, triste y dura en unos momentos y surrealista y divertida en otros, que nos traslada hacia un potente aunque rápido desenlace, al que llegamos a través de la lucha de cuatro hijas por una herencia, en una historia donde las soledades se reconvierten en una ‘reivindicación’ personal de una mujer consciente de que la vida sigue su curso y que, 'el mundo no se ha parado (ni se parará) ni un momento'...

 

ficha:

Dirección: Salva Bolta
Reparto: Elena González, Teresa Lozano, Vicky Luengo, Mona Martínez, Nerea Moreno, Inma Nieto, Camila Viyuela
* Intervención en vídeo Rulo Pardo
Ficha artística:
Escenografía Paco Azorín
Iluminación Luis Perdiguero (AAI)
Vestuario Guadalupe Valero
Música Luismi Cobo
Ayte. dirección Juanma Romero Gárriz
Ayte. escenografía Fer Muratori