Revista cultural   -   Critica teatral   -   ISSN 2255-3894



teatro

información:

(EN ROJO INFORMACIÓN FACILITADA POR LA COMPAÑÍA / TEATRO):

Dead Hamlet de Sennsa Teatro laboratorio (International Physical Theatre Research Company) es una versión libre de Hamlet para teatro físico y danza que se inspira en el clásico.

El tormento al que es sometido Hamlet por la sociedad corrupta, por su entorno corrupto y por su propia conciencia es una llamada a la acción y representa la misma llamada a la que somos convocados todos. Hamlet, el ser consciente en conflicto, el que duda, se enfrenta a todos y a todo, incluso a sí mismo, de una manera absolutamente honesta. Hamlet es la tragedia del ser consciente, del hombre y mujer despiertos que deben hacer frente a preguntas decisivas: ¿ser o no ser? ¿vivir o morir? ¿rendirse o luchar? ¿ser valiente o cómplice?…

Venganza, traición, lealtad, poder, deseo, ambición, culpabilidad, fantasmas (vivos y muertos), decisiones, locura, hipocresía, cobardía, honor, conciencia, culpa, política, intereses, apariencias… Todo en la mente consciente de Hamlet, todo en su cabeza, todo como una pesadilla oscura que se reproduce una y otra vez en un siniestro bucle de muertos que bailan al son de demasiados intereses. Todos muertos, todo muriendo… Y todos, tal vez, anhelando vida auténtica.

Esta propuesta teatral no es otro HamletDead Hamlet (pieza para teatro físico y danza) es una versión donde la metáfora toma el poder.

comentario:

DEAD HAMLET, de la compañía Sennsa Teatro Laboratorio (International Physical Theatre Research Company), llega a Madrid, ofreciéndonos una particular, original y oscura versión de la conocida obra de Shakespeare: La tragedia de Hamlet, príncipe de Dinamarca.

DEAD HAMLET, con versión y dirección de José Manuel Mudarra, con Sergio Martín como ayudante de dirección, es una propuesta de teatro físico que combina texto, canto, danza y movimiento (físico y gestual), otorgando a cada elemento una fuerte carga simbólica. La interdisciplinariedad que muestra la propuesta se encuentra voluntariamente condicionada por la imposición de una forma de expresividad basada en el ritmo del movimiento, del cuerpo, de la iluminación, la danza y la repetición, para recrear una tragedia que, tratando los temas fundamentales de la obra original, pone el máximo enfoque en la expresividad corporal, gestual y el impacto visual, para dar soporte a un texto que se mantiene fiel a la esencia de la obra original, mientras transita alrededor de un eje, la cuestión clave ‘ser o no ser’ (a la que se vuelve reiteradamente durante el transcurso de la obra), como punto de inflexión, como elemento que exige posicionarse en una decisión vital, venganza u olvido, y una vez tomada la decisión, marcar y transgredir sus propios límites hasta la aniquilación total.

En DEAD HAMLET todos los elementos presentan un enfoque muy visual. La escenografía (y atrezzo) creada por Fau Nadal está especialmente pensada y diseñada para incrementar el impacto visual de unas escenas en cuya acción y movimientos radica su fuerza. Esta escenografía formada por pocos elementos pero conceptualmente sólidos, va mutando, transformándose mediante su cambio de posición de dichos elementos, mientras algunos componentes del atrezzo, van adquiriendo su propio significado al jugar con el simbolismo de los mismos. Pero, esta escenografía, por sí misma, no aporta el soporte suficiente que las escenas requieren, necesita de la fuerza y contundencia del vestuario diseñado por Carmen de Giles, el diseño maquillaje y peluquería de Marta Flores de Giles, llevado a cabo por Vanessa Mudarra, el espacio sonoro y cantos de Marga Reyes, las coreografías de danza de Irene de Bruguera, el sonido de Nacho Pujol y la excelente iluminación de Luís Zapata, un elemento esencial en esta propuesta que ayuda a recrear y mantener una estética casi gótica, resaltando en cada momento, el elemento justo que sirve para remarcar el simbolismo de un elemento y la metáfora dentro de una acción.

El elenco formado por Lucía Pérez, Fernando Lahoz, Thais N. Izquierdo, Tiziano Giglio, Elena Segura, Pedro S.Montoya, Yumeko Imai y Carmen Olmo da muestras de su excelente preparación física y su versatilidad, ya que la propuesta es muy exigente en todos los sentidos. Además, debido a la concepción de la puesta en escena de la propuesta en niveles o capas, el elenco se encuentra constantemente en acción, ya que la acción principal se acompaña de un subtexto o más bien, una subacción de fuerte carga simbólica, que alimenta a la acción principal, por lo que, más allá del protagonismo evidente de algunos personajes, la propuesta se muestra como un todo, donde el trabajo colectivo y multidisciplinar de todo el elenco es clave.

La propuesta se caracteriza por la forma en que une y desarrolla cada uno de sus elementos y la coherencia de su construcción. En los diálogos, la danza, las acrobacias, el movimiento del cuerpo, el movimiento de las manos, el canto, la iluminación, los elementos escenográficos, el vestuario, el sonido gutural, etc., en todo existe una coherencia respecto al modo de contar la historia y la forma en que se quiere expresar cada acción y cada emoción. En todos ellos además, existen ejes en común: expresividad, movimiento, ritmo, entonación y repetición, de forma que primero se crea la imagen y luego se desarrolla la acción a través de la palabra, una palabra que sigue la misma pautas (entonación, repetición, etc.) ofreciéndonos diálogos (en castellano) de tono plano, áspero y forzado que son repetidos (en los momentos clave) en ingles mediante un voz en off que mantiene el ritmo y la musicalidad característica que late en la poesía del texto original.

Esta versión que resalta por su estética, fuerza y aprovechamiento del recurso retórico se desenvuelve ágilmente en un espacio escénico que, en ocasiones, se muestra excesivamente pequeño para a la acción que se desarrolla en escena, y aunque se mantiene la esencia de la obra original, la propuesta se siente extensa y densa, sobre todo por estar basada en una construcción donde, a modo de ritual catártico y oscuro, las acciones de fuerte impacto visual, se regodean en la repetición hasta extremos casi extenuantes para el público, ya que la propuesta también es exigente a la hora de requerir la atención del espectador, en cualquier caso, se disfruta en todo momento de la belleza visual y poética de la propuesta.

 

ficha:

Espacio escénico, versión y dirección: J.M.Mudarra

Actrices y actores: Lucía Pérez, Fernando Lahoz, Thais N. Izquierdo, Tiziano Giglio, Elena Segura, Pedro S.Montoya, Yumeko Imai, Carmen Olmo

Vestuario: Carmen de Giles

Escenografía y atrezzo: Fau Nadal

Diseño maquillaje y peluquería: Marta Flores de Giles

Maquillaje y peluquería: Vanessa Mudarra

Espacio Sonoro y cantos: Marga Reyes

Coreografías de danza: Irene de Bruguera

Sonido : Nacho Pujol

Iluminación: Luís Zapata

Gestoría: Tabacasol 2010 SL.

Diseño Gráfico: Enrique Obrero

Fotografía: Mara León y Curro Casillas

Vídeo: Sergio Tallafet

Regidor: José Manuel Calvo

Asesoramiento artístico: Evaristo Romero

Ayudante de dirección: Sergio Martín

Producción y distribución: Rafael Herrera / Hiperbólicas producciones

 

autor/a

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ESTRELLA SAVIRÓN (alias Agolpedeefecto).

 

Hago crítica teatral, pero sobre todo amo el teatro, e intento lograr la difusión veraz de la cultura. He colaborado en varios medios en España y fuera de nuestras fronteras y en programas de radio dedicados a las artes escénicas. En 2007 creé Agolpedeefecto.com, una revista digital que tenía como objetivo la difusión de la cultura, con amplitud de miras y aún sigo en el empeño.

 


 

fecha:

Junio 19

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